Οι καλύτεροι συνθέτες prog ξέρουν πώς να δημιουργούν κομμάτια που αγγίζουν την καρδιά, παραμένοντας ταυτόχρονα πιστοί στην αισθητική και την πολυπλοκότητα του είδους. Ας εξερευνήσουμε τις καλύτερες μπαλάντες από 11 θρυλικά συγκροτήματα που καθόρισαν το προοδευτικό ροκ. Ποιο από αυτά τα τραγούδια αγαπάτε περισσότερο;

Genesis – “Entangled”

Όταν ο Peter Gabriel εγκατέλειψε τους Genesis μετά το “The Lamb Lies Down on Broadway”, πολλοί αναρωτήθηκαν αν το συγκρότημα θα άντεχε. Το άλμπουμ “A Trick of the Tail” του 1976 απέδειξε περίτρανα πως η μετάβαση στην εποχή του Phil Collins ήταν εξαιρετικά επιτυχημένη. Το “Entangled” στέκεται ως ένα ονειρικό ταξίδι με μαγευτικά ακουστικά άρπες κιθάρας και αγγελικές αρμονίες.

Ο Steve Hackett το εμπνεύστηκε από “το να παλινδρομείς μεταξύ συνείδησης και ασυνειδήτου στο ντιβάνι του ψυχίατρου”. Η ατμόσφαιρα παραμυθιού και οι στίχοι υποστήριξης δημιουργούν μια αίσθηση τρυφερότητας. Το φινάλε με τα στρώματα μελλοτρόν και κιθάρων απογειώνει το κομμάτι, αναδεικνύοντας γιατί οι Hackett και Banks αποτελούσαν ένα από τα κορυφαία δίδυμα κιθάρας/πλήκτρων στο είδος.

Marillion – “Neverland”

Το “Neverland” ψηφίστηκε ως το καλύτερο τραγούδι των Marillion από τους αναγνώστες του περιοδικού PROG το 2020. Με διάρκεια πάνω από 12 λεπτά και αρκετές ενεργητικές αλλαγές, απέχει από την παραδοσιακή ιδέα της μπαλάντας. Η χαρακτηριστικά μελαγχολική και ευέλικτη φωνή του Steve “H” Hogarth, περιτριγυρισμένη από ουράνια πλήκτρα και συγκινητικές συγχορδίες πιάνου, κόβει την ανάσα.

Στίχοι όπως “Όταν είσαι μαζί μου, μπορώ να το αντέξω, αλλά όταν φεύγεις, δεν προσγειώνομαι ποτέ, στη Χώρα του Ποτέ” είναι έντονα ποιητικοί. Ο Hogarth προσδίδει απόλυτη αυθεντικότητα στην οδυνηρή ερμηνεία του, ενώ οι συμπαίκτες του γεμίζουν τα κενά με θεϊκές κραυγές και καταπραΰνσεις. Το “Neverland” είναι ένα βαθιά συγκινητικό ταξίδι που μόνο οι Marillion μπορούσαν να συνθέσουν.

Spock’s Beard – “She Is Everything”

Η ιστορία των Spock’s Beard στις αρχές του 2000 μοιάζει παράξενα με αυτή των Genesis – ο πρώην ντράμερ Nick D’Virgilio ανέλαβε τα φωνητικά μετά την αποχώρηση του Neal Morse. Η σουίτα “Flash Before My Eyes” που ανοίγει το “Octane” του 2005 αφηγείται την ιστορία ενός άνδρα που ξαναζεί τις αναμνήσεις του μετά από ένα αυτοκινητιστικό ατύχημα. Στο τέταρτο μέρος, “She Is Everything”, ο συνδυασμός της ιερής φωνής της συντρόφου του και οι ήχοι του νοσοκομείου αποτυπώνουν τη νηφάλια συνειδητοποίηση ότι μπορεί να μην επιστρέψει ποτέ στην ειδυλλιακή ζωή του.

Ο D’Virgilio ακούγεται συντετριμμένος καθώς αναλογίζεται τι μπορεί να έχει χάσει (“Είναι τα πάντα / Το ιερό, το αγνό / Η λύση, ο εθισμός / Το όραμα, η θεραπεία / … Αλλά τώρα όλα ξεθωριάζουν”). Ναι, είναι λίγο μελό, αλλά η συντριπτικά γλαφυρή δύναμή του είναι αδιαμφισβήτητη.

King Crimson – “Epitaph”

Το αριστούργημα από το πρωτοποριακό ντεμπούτο των King Crimson “In the Court of the Crimson King” του 1969 παραμένει η καλύτερη μπαλάντα τους. Ο Greg Lake γεμίζει κάθε θρήνο και παρατήρηση με οπερατική απόγνωση, θρηνώντας για το πώς το είδος μας καταστρέφει τον εαυτό του. Εμπνευσμένο από τη δυστυχία και την καταστροφή του Ψυχρού Πολέμου, συνδυάζει μελαγχολικές ακουστικές κιθάρες, πένθιμα μελλοτρόν και αυστηρά ντραμς που υπογραμμίζουν τις καταστροφικές προβλέψεις του (“Το πεπρωμένο της ανθρωπότητας, βλέπω, είναι στα χέρια των ανόητων”).

Το “Epitaph” αποδεικνύει τέλεια τη χρήση δυναμικών αλλαγών από τους King Crimson, καθώς αντιπαραθέτει συνεχώς επική κάθαρση και ζοφερή ηρεμία για να αποτυπώσει το εύρος των συναισθημάτων που θα είχε κανείς συνειδητοποιώντας γιατί ο πολιτισμός είναι ο χειρότερος εχθρός του εαυτού του.

Rush – “The Garden”

Οι θαυμαστές των Rush λατρεύουν τραγούδια όπως το “Closer to the Heart” και το “Losing It”. Ωστόσο, υπάρχει κάτι ακόμα πιο ξεχωριστό στο φαινομενικά αυτοσυνείδητο αποχαιρετισμό του “The Garden”, που κλείνει το κύκνειο άσμα του συγκροτήματος, το “Clockwork Angels” του 2012. Από την αρχή μέχρι το τέλος, ταλαντεύεται μεταξύ φωτεινής ανύψωσης και ανατριχιαστικής αναστάτωσης.

Τα θριαμβευτικά έγχορδα, οι τρυφερές νότες του πιάνου και οι νοσταλγικοί ήχοι της κιθάρας αντιπαρατίθενται στην ανησυχητική ενορχήστρωση και το αγχωμένο τραγούδι του ρεφρέν. Στιχουργικά είναι εξίσου συγκινητικό, με τον Lee να αποχαιρετά συμβολικά τους αφοσιωμένους θαυμαστές των Rush (“Ο θησαυρός μιας ζωής είναι ένα μέτρο αγάπης και σεβασμού / Ο τρόπος που ζεις, τα δώρα που δίνεις”). Η αυξανόμενη ένταση συνδέεται άμεσα με το αυξανόμενο συναίσθημα, καθιστώντας σχεδόν αδύνατο να μη δακρύσεις εκτιμώντας πόσα σήμαιναν οι Rush για τόσους πολλούς ανθρώπους.

Yes – “And You and I”

Ο πρώην τραγουδιστής των Yes, Jon Anderson, φημίζεται για τη χαρακτηριστική ψηλή φωνή του και τα μηνύματά του για αγάπη, ισότητα και μυστικισμό. Αναμφισβήτητα, μεγάλο μέρος του κλασικού καταλόγου του θρυλικού συγκροτήματος επικεντρώνεται σε αυτά τα θέματα, και το “And You and I” από το “Close to the Edge” του 1972 το κάνει καλύτερα από κάθε άλλο.

Το τετραμερές κομμάτι καθοδηγείται αρχικά από τα βουκολικά ακουστικά κρουσίματα του Steve Howe και τις ενθαρρυντικές ιδέες του Anderson. Είναι άμεσα γαλήνιο και ελπιδοφόρο, και αναμενόμενα αποκτά δυναμική με μπλοκ αρμονίες, πιο φανκ ρυθμούς και συνθεσάιζερ που κορυφώνονται σε μια εξαιρετικά ζεστή και εμπνευσμένη συμφωνία. Στο δεύτερο μισό του, το “And You and I” εισάγει πιο ιδιόρρυθμα και βαριά μοτίβα επαναλαμβάνοντας προηγούμενα, και με τον τυπικό τρόπο των Yes, όλα ρέουν μαζί υπέροχα.

Kansas – “Dust in the Wind”

Tο “Dust in the Wind”, το δεύτερο σινγκλ από το “Point of Know Return” του 1977, είναι η κλισέ επιλογή για τους Kansas, αλλά αυτό δεν σημαίνει ότι είναι λάθος. Γραμμένο από τον Kerry Livgren ως άσκηση fingerpicking, οι βιβλικές επιρροές του και οι παγκόσμιοι στοχασμοί για τη θνητότητα το καθιστούν ένα από τα απλούστερα αλλά πιο βαθυστόχαστα κομμάτια σε αυτή τη λίστα.

Προφανώς, το ειρηνικό μοτίβο του Livgren είναι τόσο διάσημο που είναι πρακτικά απαραίτητο για τους αρχάριους κιθαρίστες να το μάθουν. Ομοίως, η επείγουσα και αγνή φωνή του Steve Walsh είναι εξίσου δυνατή καθώς προσφέρει μαθήματα ζωής με τη βοήθεια αγγελικών αρμονιών και των εξίσου εμβληματικών εγχόρδων του Robby Steinhardt. Το “Dust in the Wind” αποδεικνύει ότι η υπέροχη δύναμη ενός κομματιού λειτουργεί επειδή ακριβώς του λείπει η θεατρικότητα του προοδευτικού ροκ.

Pink Floyd – “Wish You Were Here”

Όπως σχεδόν κάθε κομμάτι στο ομώνυμο άλμπουμ τους του 1975, το “Wish You Were Here” βλέπει το κουαρτέτο να κοιτάζει με νοσταλγία τον παλιό τους συμπαίκτη και να σκέφτεται την ευρύτερη πρόκληση του να είσαι παρών στη ζωή σου χωρίς να θυσιάζεις τη χαρά και την ενσυναίσθηση για πιο ρηχά επιτεύγματα. Αν και το συνέγραψαν από κοινού ο David Gilmour και ο Roger Waters, ο Gilmour παίρνει αναμφίβολα το προσκήνιο με την περίφημη κιθαριστική του δεινότητα και το τρυφερά συλλογιστικό τραγούδι του.

Η σταθερή κρουστική δουλειά του Nick Mason και τα πλήκτρα του Rick Wright κάνουν επίσης θαύματα για να κάνουν το κομμάτι να φαίνεται τόσο προσγειωμένο όσο και λαχταριστό. Με τα χρόνια, το “Wish You Were Here” έχει γίνει ύμνος για όποιον λαχταρά να επανασυνδεθεί με ανθρώπους και να ξαναζήσει τις ένδοξες μέρες του.

Jethro Tull – “Fire at Midnight”

Αυτή μπορεί να είναι μια σοκαριστική επιλογή δεδομένου πόσοι θαυμαστές των Tull λατρεύουν το “Wond’ring Aloud” από το “Aqualung” του 1971. Είναι ένα υπέροχο τραγούδι, αναμφίβολα, αλλά βασικά περπάτησε ώστε το “Fire at Midnight” από το “Songs From the Wood” του 1977 να μπορέσει να τρέξει. Στην πραγματικότητα, το “Fire at Midnight” μοιάζει πολύ με μια πιο εξελιγμένη αναθεώρηση εκείνου του προηγούμενου διαμαντιού, καθώς οι μελωδίες και ο τόνος του είναι αρκετά παρόμοιοι.

Κι όμως, η διάταξη είναι σημαντικά πιο συναρπαστική και εκλεπτυσμένη, με γοητευτικές πινελιές εκκεντρικότητας του προοδευτικού ροκ που ενισχύουν το θαυμασμό του Ian Anderson για την επιστροφή στο σπίτι για να φροντίσει τη σύντροφό του. Το αγροτικό τζαμάρισμα στη μέση είναι υπέροχα ιδιόρρυθμο και περιπετειώδες, και ο Anderson σπάνια έχει τραγουδήσει με τέτοια γοητευτική ειλικρίνεια.

The Pineapple Thief – “Barely Breathing”

Λίγοι frontmen στο προοδευτικό ροκ μπορούν να αποτυπώσουν τη μνησικακία και τη θλίψη τόσο καλά όσο ο κιθαρίστας των Pineapple Thief, Bruce Soord. Αυτό που είπα, το “Barely Breathing” από το “Someone Here is Missing” του 2010 κάνει εξαιρετική δουλειά τονίζοντας την τελευταία ιδιότητα. Όπως το “Dust in the Wind”, η μαγεία του έγκειται στην ευθύτητά του και στην έλλειψη προοδευτικών στολιδιών, με το μελαγχολικό φαλσέτο και τα αυξανόμενα ρεφρέν του Soord συμπληρωμένα από ακτινοβόλα ζοφερά ακουστικά άρπες κιθάρας, πονεμένες συγχορδίες πιάνου και λεπτά κρουστά.

Στις ίδιες γραμμές, το “Barely Breathing” αποφεύγει την απλή γλυκερότητα με το να είναι έξυπνα ποιητικό και αδιαμφισβήτητα ειλικρινές (“Ξαπλώνω ξύπνιος / Και το μόνο που βλέπω είναι / Η μέρα που ξαπλώσαμε / Σε χρυσές παραλίες / Τα βαθύτερα μάτια / Δεν μπορούσαν να δουν ότι / Ο κόσμος θα ξεθωριάζει / Ξέρω ότι δεν μπορούσα”). Είναι πραγματικά υπέροχο.

Anathema – “Internal Landscapes”

Ακόμη και κατά την πρώιμη φάση του death-doom/gothic metal, το διαλυμένο αγγλικό συγκρότημα Anathema αναπαριστούσε την αγωνία με διακριτή άρθρωση και μελαγχολία. Ωστόσο, βελτίωσαν αυτές τις ικανότητες όταν μετακινήθηκαν στο εναλλακτικό ροκ προς το τέλος της δεκαετίας του 1990 (και τελικά τις τελειοποίησαν όταν έγιναν δάσκαλοι του art/prog ροκ στις δεκαετίες του 2000 και 2010). Αυτή η εποχή του 21ου αιώνα καθοδηγήθηκε από την υπέροχη δυαδικότητα των τραγουδιστών Vincent Cavanagh και Lee Douglas.

Το μεγαλύτερο επίτευγμά τους, ωστόσο, είναι το “Internal Landscapes”, το φινάλε του πιο συναισθηματικά αντηχητικού άλμπουμ που έχω ακούσει ποτέ: το “Weather Systems” του 2012. Περιτριγυρισμένο από μια πραγματική συνέντευξη με τον Joseph Geraci (στην οποία αφηγείται πώς αποχαιρέτησε τη σύζυγό του καθώς ετοιμαζόταν να πεθάνει), το τραγούδι μιλά για την εύρεση γαλήνης και ομορφιάς στο να βλέπουμε τους εαυτούς μας – και αυτούς που αγαπάμε – να φεύγουν.

Πηγή: Loudwire.com